[ Talk With Rocky ]开源,就是让参与者变成创造者

编者按:在梳理中国社群的开源文化时,我们试图理解什么是开源。开源,也许是跳出自己的圈子,不再安于确定而无趣的常规路径,颠覆与打破现有世界的规则。唯一确定的是,在这个科技主导未来的互联网时代里,种种打破常规不再是叛逆、冒险、鲁莽——互联网上有一切想得到想不到的信息、技术、能量都在传播、流通和连接,年轻的探索者们不再拘泥于行业、空间和其他物理的界限,而是建立新的真理“我愿意去帮助和自己有着共同热爱的人,我们中间一定会有人成功”。

Rocky是O.S.G开源智能眼镜项目的创始人,也是一个真正的跨界达人。从Frog Design的创意总监到跨入了创客领域,在Google Glass引发的全球可穿戴设备热潮涌动时,他是国内第一批投身于此的实践者。靠一群志同道合的朋友和900元成本,制作出个人化智能眼镜,并创建了O.S.G开源智能眼镜非营利性社区。在这个科技主导未来的互联网时代里,他和其他渴望创造与打破的年轻人一样,独立绽放。他挑战世界现有的规则,不再安于确定而无趣的常规路径。Rocky和其他年轻的探索者们因此有可能能借力互联网获得真正的自由,不再拘泥于一份成功高薪的工作,却有更大的成就感。他是如何看待开源理念的?O.S.G又是如何将开源精神融入到产品和社群之中?开源文化在中国的发展面临哪些挑战?

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【专访实录】

5月26日,Rocky从深圳返回上海,飞机晚点5个小时,我们在敲定访问地点时他还在机场等待登机。5月27日傍晚,上海突然下起大雨,我和摄影师四月来到了Rocky位于石龙路的工作室。“我昨天夜里12点才到上海”,Rocky说,还好,差一点就赶不上访问了。他很忙,一进到工作室就被产品经理John拉去调试网站。等待中,我们有机会好好参观下极客工作室。

工作室被在普通的小商店街上,超过60平方米。屋子被隔开成两个独立的空间,外面是一排排光秃秃的长椅板凳,临街的入口就在这里。毫不起眼的里屋是工作室核心区域,John面前立着超大尺寸的显示屏,屏幕上每条信息都清清楚楚。自从加入O.S.G开源智能眼镜项目以后,他负责了大部分运营的工作。工作台上,堆满各种尺寸的硬件组装部件,两台3D打印机正在运转中,偶尔发出沙沙的声音。
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一旦开始工作,Rocky就完全忽视掉我和摄影师的存在,注意力完全放在苹果电脑的设计软件上,时不时翻翻O.S.G开源智能眼镜的页面。在摄影师的要求下,Rocky配合的对着镜头摆出各种动作。他的银灰色衬衫很服帖,搭配着半长的头发显得温和又带点艺术气质。叼着圆珠笔望天,或者歪着头耳边自觉画出一个问号,他始终轻松自若并占据对话的主动,略显凌厉的目光才是他的本色,果断、强势又富有智慧。

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这个世界又不是《小时代》,你怀揣梦想的时候就得做好心理准备

Rocky是O.S.G智能开源眼镜项目的创始人,再往前点他是Frog(青蛙设计)的创意副总监。开始O.S.G智能开源眼镜项目之初,他在微博写到“做为一个产品设计师,总是很恐惧硬件创新,觉得这个只是Maker, Geeker才能尝试的事情”。从设计师跨界到创客圈,Rocky在开始 O.S.G 开源智能眼镜项目之初写到,‘Be a maker, designer, hacker, builder, thinker, explorer, risk-taker and doer’。

O.S.G开源智能眼镜起初是我个人的项目。最初是受到Google Glass的启发,觉得好玩在家购买原件以极低的成本捣鼓出来的一款智能眼镜,却意外收获了来自设计师和创客领域的关注。抱着试试看的心态,我产生了一个念头,就是把O.S.G的编程开源出来,通过这种方式去探讨一个话题「到底穿戴式设备是什么样子的,如果体验不满意,是不是有一种方式可以尝试和探索。」rocky-03

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永远不应该被自己的所知或是所长限制

2014年的3月份,我开始思考是否有可能以更快捷的办法达成和Google Glass一样的眼前显示。开始尝试在网上购买一些现有的产品,尝试以拼积木的方式来拼装。期间从零开始学焊接;重拾初中物理的光学部分;从零开始学习3D建模;从零开始学3d打印。反接烧坏零件若干,焊坏零件无数,账单和乐趣也逐步递增。人永远不应该被自己的所知或是所长限制,那样便失去了想象和超越的可能。

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开源就是分享和共同参与,知识的共享和开放的心态

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开源由「开」和「源」组成。字面上来说:「开」是指「开放」。主要是强调参与感,所有人都可以参与进来是其中最核心的价值。「源」则是指「源头、方法、思考都是以开放的心态和大家分享」。主要是一种分享和共同参与,知识的共享和开放的心态

我们看到很多Google Glass模仿者,却大多是可商用但无法推广,体验和技术都不尽如人意,技术没有达到民用级的程度。比如HoloLens体积非常庞大,不方便携带,必须在一个固定场景中才能使用,硬件上有很多问题和变数,很多体验上的问题需要很长时间才能成熟,可能需要五到十年才能解决。

因此在这之前,我不希望人跟设备的关系是一个完全封闭的话题,而应该以「Open Discussion」的方式存在。既然它代表了未来,有很多不确定性。参与者打心眼里认可开源的价值观,抱着开放的心态去讨论、参与和创造,这就是O.S.G开源智能眼镜最有价值的地方,也是我们将这个项目做成开源的最主要驱动。

开源,当热爱遇到热爱

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在O.S.G开源智能眼镜这个项目上,我开始理解作为发起人的角色是将不同专长的人和资源聚合起来。

在每个特定领域都有特别擅长的人,当我们自己无法解决某个问题的时候,我们就得想法寻找其他人和我们一起做。比如说O.S.G开源智能眼镜的硬件产品上,我曾经想过自己做硬件,甚至设计的必要元素都已经准备好了。但后来遇到了现在的合作伙伴,他们相信开源的未来,愿意放弃一部分商业利益,将硬件方案分享出来对我们的开源理念是一个非常大的支持。正是因为商业方案的支持,让我们获得真正的机会探索O.S.G 2.0版本。 

为了找到项目的参与者,我试过通过各种渠道主动联系在做智能眼镜的人,比如特地在知乎上回答某些专业领域问题,也在果壳发帖来吸引创客们的注意。2015年2月,O.S.G开源智能眼镜的核心领域人员全部凑齐。从开始只有完全不懂硬件的自己,到各个领域的朋友一起参与进来,O.S.G离一个像样的项目越来越近。作为一个完全没有商业投资的开源项目,不仅涵盖硬件,更是涉及软件,直至设计。这个项目的发展,远超在发起那一刻我所能想象的极限。

现在O.S.G开源智能眼镜的团队核心成员有大概十个人,全部为兼职,每个人都是因为兴趣愿意不计回报的参与到这件事情中来:项目经理对智能眼镜很感兴趣,刚毕业就来到O.S.G负责运营;最重要的德国工程师因为认同团队做开源的单纯热情,决定加入并一起尝试各种可能;另一个软件工程师将自己有创业价值的硬件设备控制器直接拿给团队用;设计师清一色从Frog Design拉出来,是亚洲科技团队中最强的;做驱动方案的工程师本身在深圳开公司……过去20年,成功学灌输给年青一代的是“我一定要成功”,但O.S.G开源智能眼镜项目倡导的是另一种更符合互联网时代的精神——“我愿意去帮助和自己有着共同热爱的人,我们中间一定会有人成功”。

我们处在一个商业逻辑强大的商业世界,在整个过程当中,无形地建立一个壁垒,通过专利的形式禁止使用一些原本可以产生更多价值的东西。这里有一个副作用——即阻止了知识的流通和发展。

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随着越来越多的项目和社群引入开源概念,最大的挑战是发起者对于开源这件事儿的理解不够深刻,整个过程中缺乏探索的精神。在国外,我们谈到开源,关键在于贡献而非获取。参与者基于一个想法的雏形不断的提出新的探索方向是推动开源前进的重要力量。而在国内,我们看到的场景是参与者更希望付溢价拿到商品化的成品,而缺乏动手和参与的积极性,这与开源精神所需要的文化土壤本质上是矛盾的。

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赚钱只是副产品,创造价值才是正经事

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有赖技术狂潮的至强之力,它给创造者带来了也许最好的时代。在这个时代里,没有什么是凭空而生的,越来越多的人选择分享和开源的方式,这是很有意义的一件事情。O.S.G从设计到版本升级到后续的玩法都是开源运作,我们试图通过这样的方式让更多人加入并从中获得乐趣,并让知识的积累与沉淀变得越来越完善,这才是O.S.G开源智能眼镜平台所期待的愿景。

运作者需要理解开源与商业并不存在冲突,但开源项目不应该被商业绑架改变初衷,而是因为商业的参与让开源这件事变得更好,让知识积累和发展更加完善,赚钱只是副产品,创造价值才是正经事

最后,商业也好开源也好,要实现梦想就必须有足够的准备,你和你的团队都得用全力去做,才能获得最好的结果。

 

结语:Rocky说,“O.S.G方案中的材料只是番茄和鸡蛋一般随处可见的物件,至于要做成什么样,那是你自己的事情。人类与这些小设备的交互方式应该是更自然更多样的,网站只是为爱好者提供一个基础,方便爱好者们参与进来,自己动手,尝试智能眼镜各种好玩的可能,实现所有人为所有人设计,这也是我做开源硬件的初衷”。在2015年初,O.S.G开源智能眼镜运作半年后,Rocky的博客中写下了自己的感触,我们摘抄和提取了一些内容,希望能为热爱自我探索的青年人带来一些启发和思考:

  • 人永远不应该被自己的所知或是所长限制。那样便失去了想象和超越的可能。
  • 分享带来的幸福与乐趣,远远超出获取和金钱。团队每一位成员都不是为了赚钱的目的而加入。
  • 人不该失去梦想和热情,失去这些指引你向前的无限动力。

访问与整理:Prima

2015年6月&2016年2月

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[ Talk With 卢璐 ] 回归⽇常,重新定义中国传统文化

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璐本科就读于复旦大学中文系,毕业后前往伦敦深入学习戏剧艺术。她曾是中国旗帜性先锋剧场、复旦燕园剧社的社长,在上海话剧艺术中心实习并参与多部话剧制作,翻译过贝克特名剧《终局》。她曾扎根贵州研究本土戏剧傩(注音: nuo)戏探索戏剧的乡土性与人文性,也曾受邀参加参加‘寻找二十一世纪的契诃夫’亚洲小剧场新势力联合展演。她曾被现当代艺术运动的领军人物王景国老师推荐运营独立小剧场,却抱着戏剧是处理‘人与自身所处环境的关系’的思考,将戏剧的逻辑与表达形式应用到了各更跨界的艺术与自然教育领域。她一路跌跌撞撞的从阳春白雪的艺术青年,变成一个坦然而踏实的实践者。而现在,除了是戏剧创作领域的实践者外,卢璐更重要的身份是活跃于自然艺术和公共艺术领域的非营利艺术机构‘禾邻社’的创始人。

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⾛没什么人走过的路,一路反思就不算叛逆

“卢璐大一的时候参加了燕园剧社,演一个乐队里举牌子的没有台词的小角色。之后的两年,因为喜欢,她变成了燕园的社长,她导的戏曾经在上海话剧艺术中心上演过,那天同室的小姐妹送去了99朵红玫瑰。她站在属于自己的舞台上,觉得到达了人生的幸福终点站。”这段文字是已经注销的燕园剧社豆瓣网页上依然保留着的对卢璐在燕园那段日子里的记录。‘复旦的燕园’在90年代的中国先锋剧场有着各种各样的传说,而十几年前卢璐也曾在这里追寻过这些高山远止的身影。一个江苏的小镇姑娘独自来到上海的苦闷和不知所措,某种程度上因为戏剧,一些所谓才华的东西在这里被释放出来了。

对于那时的卢璐来说,剧社里传说中的师兄师姐早就不见了踪影,虽然执导过几场剧社的作品,但是大学做戏剧更多是件很酷很好玩的事情。而参与下河迷仓小剧场的运作时,卢璐碰到了一位可以称之为师父的指路人。师父是台湾人,在国内企业做高管。平时总是纠结于细微的一把年纪的人在剧场里却可以玩的开心自在,那自然流露的坦诚、真实让卢璐向往。“以前我曾经认为,剧场是写很酷的剧本,满足一些人的表演欲。但师父告诉我,戏剧是处理个人与周遭的关系。你为什么来到这里,其他人为什么来到这里,你与所虚构的人物之间的关系,你与剧场外的人的关系。”

怀着对戏剧的爱,卢璐前往伦敦大学深入学习戏剧艺术。欧洲古老戏剧文化的冲击,一流的剧场,跟随最顶尖的导师学习最前沿的理论,那是卢璐的黄金时期。然而这场黄金时期的生命短暂,戛然而止于一场表演课。“老师要求我们每个⼈演绎自己国家的民歌,通过⾝体与声音的互动寻找表达方法。我很忧伤,所有祖国的民歌在我的印象中都是歌舞升平的联欢晚会。”挪威的、希腊的,每⼀个同学在演绎属于⾃己国家的歌谣时⾝体承载着厚重历史的旺盛生命力让卢璐向往,“⽽我就像⼀个木偶,假装表演⼀些东西,有种深深的伤感,孤魂野鬼的感觉。”

“找不到根源”,带着数不尽的问题,卢璐将学习的重心转向戏剧的⼈文性与乡土性,写毕业论⽂时一头扎到贵州深⼭里去研究本⼟戏剧—傩(注⾳:nuo)戏。这个衍生于古老祭祀方式的戏剧研究资料少之⼜少,所幸卢璐在机缘巧合之下联系到了贵阳的本地学者黄埔重庆。“老先生非常热情,亲自带着一堆资料来到我住的地⽅,他真的就纯粹的因为有⼈关注这个领域⽽开心。”

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回国后的⼀年时间,卢璐却迎来了⻓达⼀年的真正意义上的叛逆期。期间,她受邀作为新势力导演受邀到台湾参展,也考虑过接受运营剧场的机会。然⽽,很多过去所信奉的东西都被打破了,很多新的东西都不知道从何做起。渐渐地,卢璐看淡了戏剧的形式,从⼀个纯粹的艺术⻘年转⽽⾛向探索戏剧的实⽤价值。

2009 年,⽲邻社在恩派的孵化下创立,浦东归泾村⾥一个二十四⼩时全年⽆休的社区艺术⼯作室应运⽽生。“当时外界上没有商业⼒量,街道也挺包容,我们那时甚至是吃住在这个社区。最初我们希望可以便利店一样,⼤家随时都可以在这⾥发生⼀些互动。我们没有考虑盈利模式,虽然做的开心玩的也不错,但是太理想主义而无法生存下去。

内⼼呐喊⽆数遍我要活下去,这个艺术⻘年和她的团队走上了⼀条减重的创业之路。脱离于艺术工作室,禾邻社将发展的重⼼放在《全民植物地图》和⾃然艺术教育两个产品上。《全民植物地图》通过带领志愿者观察自然的方式,结合⼿绘、摄影等艺术⼿段,与本⼟知名设计师、艺术家一起,共同为主要绿色公共空间描绘植物地图,并将地图印刷制作成纸板地图,免费发放给绿地周边社区的居民。虽然这个作品很受民众的欢迎也做了美术馆做了回顾展,却成为了⼀件令⼈纠结的典型的叫好不叫座的产品。“所有⼈都很认可它,但是奇怪的是没有⼈愿意为它掏钱。我们⽆论如何努力让⼤家从公共艺术项目视角接受它,民众都认为它是环保领域项的公益实践。”

放下身段,学会⽣存

项目叫好不叫座或者偶尔的理想主义的头脑发热,在很⻓⼀段时间里,⽲邻社一直处于一个憋屈的状态。“我们深深体会到了⼀分钱憋死英雄汉的感觉,尤其是该发工资根本看不到钱在哪的时候,⽽这种憋屈时间⻓了是会改变⼈的思想和精神状态的。我曾经与⼤田(卢璐⼯作上的合作伙伴,后来也变成了⽣活中的人生伴侣)不⽌⼀次讨论,谁要放弃禾邻社出去赚钱养家。因为我们自带的社会属性,⼀定要对为机构付出的朋友、⽗母和自己负责,⼀切都很现实。”创业的五年,卢璐切⾝体会到在⽯头缝⾥生⻓出来的艰⾟。
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“我们曾有过⼀个凭空出现的⼤项目,查尔斯王⼦基⾦会找过我们合作传统⽂化复兴”。理念⼀致,⽲邻社甚⾄在正式谈定之前就已经开始动⼿实施。然⽽这个合作还没有进⾏到⼀半就不了了之,终是迎来了没有仪式的分⼿。“我们就像是⼀个很混沌的种⼦,放在那⾥很混沌的⽣⻓。它美好⽽健康,然而我们没有考虑清楚它与泥土的关系,突然发现下⾯变成了盐碱地,种⼦只能⼀下⼦死掉了。”

在⼏次瘦⾝之后,⽲邻社终将核心聚焦在⾃然艺术教育。这个项目的萌芽是在做社区时为⼩朋友开了⼀个春⽥花花夏列营,采用以⾃然为切⼊点的乡⼟⽂化艺术教育。⼀次次的跨界但不曾停⽌的尝试后,卢璐渐渐慢慢清晰了⽲邻社这群艺术⻘年所擅长的事情,也明确了团队和产品的发展⽅向。“现在我们和外界的关系在发⽣变化,在这些过程中,交流与接受变得越来越轻松和顺畅”。

她逐渐学会了解读⼀个机构在市场环境下调控⻛险与回报的距离,“以前是很喜欢⼀个项目,觉得应该会有资源就去做了。现在是我们清楚地知道这个项目做多少步能赚到钱可以⽣存下去,这样我们才做了”。虽然开始改变做决策的思路了,可是她认为之前的选择⽆论结局如何,总会在不经意间回到了最初的轨道上。“所谓念念不忘,必有回响。只要很诚实面对⾃己内在,敏感地感知个⼈自带属性,你会发现这个联结打开后,能够从这个世界所获得的力量是巨⼤的。”

回归⽇常中的创意,重新定义中国传统⽂化

“我在英国念书时⼀个流派是很注重乡⼟性的东⻄,那个时候我就希望去探索自己的国土⽂化。所以在做⽲邻社的时候,⼀⽅面想做些实实在在的事情,另外一⽅面也是觉得可以承接艺术之⼒,将中国的传统文化再次带回到我们的视野之中。”

“⽆法回到⽇常⽣活⾥的传统就是死的”,相较于四书五经和唐诗宋词,卢璐更加希望去寻找生活中还存在的、还与现实有关系的,节日与节⽓的故事。现在,卢璐和她的团队正在上海为即将开刊的中秋绘本取材,她们希望以⼀个发生在城市⾥的故事作为线索,讲述⼀个中秋的故事。“⼈们常说城市⾥看不到⽉亮和星星,这些美好的东⻄早就被遗落在田园牧歌式的幻想⾥。可是,⼩时候我们明明那么喜欢灯光,是不是我们为了看月光就⼀定不要灯光呢?我们要去发现更真实的感受,发现那灯光⾥看到的夜空的样子,城市的⽉光的样子。”

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太阳底下⽆新事⼉,相对于创造和⽣产两件东⻄,我更喜欢生产

卢璐和团队经常⽤剧场思维释放⽇常创意。他们通过头脑⻛暴寻找答案,所有⼈的才华都可以在其中得到释放,A想法与 B想法之间只是在操作层⾯的⼀点点不同。绘本上首页赫赫写着卢璐的职位名称,戏剧脚本总监,戏剧已经被掰开揉碎在⽲邻社的各个元素之中。“我们做的事情其实没有很明确的定义,形式永远是最不重要的事情”。卢璐在考虑回到剧场制作⼀些与神话有关系的戏剧,他们也在不停的积累各个领域的⼈才以及更多戏剧制作经验。“套用我师父的⼀句话来说,剧场是处理⼈与周围环境的关系。剧场是⼀个形式,只有底⼦⾜够深厚以后才能凝练出很实在的东西。”

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访问&整理:Prima

2015年5月

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[Talk With 周小肉]童稚的画是我的修行

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周小肉,画的一手漂亮的童画,且张张都有灵气十足的配文。她拒绝称自己是插画家或设计师,而是‘图文人’。复旦大学哲学专业毕业,没有接受过专业绘画学习,大学毕业后却办了三场个展,还在香港发行了一本图文集。自称‘出生时天灵感没有盖上’,小肉像当下很多年轻人一样,坚定地用自己的方式探索并构建对于世界的理解。形式化的经验技巧与社会标准逐渐失去了指导的意义,天马行空都想象力和不拘泥于经验和规则的笔触,周小肉的作品总是带着强烈个人印记自由地表达想要表达地一切。
– 2012 年TEDxFDUChange 大会讲者,分享“我的理想国的生产力”

– 2012 年《乐观·茧》个展

– 2013 年《我的理想国:新文艺复兴》个展

– 2014 年《无聊人》图文展

– 2015 年 同震旦博物馆合作“另眼相看博物馆”系列。同年,出版个人画册《Watch, Think, And Draw(图文·思想·笔记)》(H.K)

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长长密密的假睫毛,高级顶配黄金宝马。
是谁在笑,是谁在睡。
是哪个备胎躲在马肚子下面,脑袋充血。
“当某节目中传出的一句:宁愿坐在宝马车上哭,也不要坐在自行车上笑。就有了这一幅,细看翻画(意指小肉根据原作演绎的新文艺复兴系列作品),就会发现每匹马上面都加上了BMW 标志,而虢国夫人的坐骑下面还为她加了备胎。”——新文艺复兴系列·张萱《虢国夫人游春图》

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一杯安全好牛奶。值一张去香港的飞机票。
一个女仆手上的一罐好牛奶,值一次环球旅行。
“那时正值食品安全问题井喷爆发。大量的国外奶粉成为香饽饽,无数妈妈飞往世界各地大批采购奶粉。也是基于此,创作了这一幅。白色的牛奶,白色的孩子,曾经地位不高的女仆,在画面中因为这一罐‘安全好牛奶’而显得高大而色彩缤纷。”————新文艺复兴系列·维米尔《倒牛奶的女仆》

[专访实录]

电话小肉预约采访时,她人在北京,背景声音有些嘈杂,八成她正在紧锣密鼓地准备单向街独立书店的分享会《周小肉与她的素图文》。‘采访没有问题’,小肉说,‘我去复旦预借个地方做访问’。我们在电话里讨论了带上几幅画还原当年复旦车库画展的样子,听得出来,那儿留着许多故事。如期,我们在新院第一次见到了久仰大名的周小肉。刚刚爬了五层找到教室的小肉轻轻擦去鼻尖的汗珠,有些呆萌、有些鬼马精怪,和她笔下的人物如出一辙,有股灵劲儿。顶楼的阶梯教室宽敞又明亮,窗外偶尔传来铃声和学生们的走动声,黑板上还是没有擦掉的电影史板书,恍惚间有点回到学生时代的感觉。小肉靠窗的位置坐下,自然的光线直射进来映在她身上和身后的粉色墙壁上,显得宁静柔和。

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‘用幼稚的画,来说大人的话’的图文人

一百四十余页《Watch, Think, And Draw(图文·思想·笔记)》画册可以半个小时快速地看完,然后模凌两可地思考下人生,又匆匆地继续着周而复始的生活。可仅仅这样,是走不进小肉的世界的。小肉笔下那个有着绿豆的小眼睛和飘着中国红的小脸蛋,萌态十足的圆脸蘑菇头女孩,总会一脸无辜又懵懂的用最简单的语言说出直戳人心的话语,透露出与年龄不相符的智慧与鬼马精怪。她挂着无所谓的表情,又小心机的在画纸上百分之三十的留白之处跟你打着哑谜,而你总要在她抿着嘴偷笑说出答案后才能恍然大悟。生活中的柴米油盐、思想世界的天圆地方,通过简单、儿童画的表达方式,小肉将自己柔软又坚强的世界观,以及对世间万象的微妙洞察描绘得淋漓尽致。

Q:你的图文总给人一种‘有点意思’的感觉,其实想‘有意思’也挺难的,有人绘画技巧很强,画的内容却挺没劲的。你作品的灵感和创意都是从哪儿来的?

A:图文只是输出的形式,重要的是去经历。无论对什么感兴趣,都要去阅读、倾听和尝试,而不仅仅是想想而已,你得带着十足的好奇心去尝试。这是我很喜欢的一种活法,为什么这个世界就是所谓的那个世界呢?你一定要摸到这个桌子和凳子才会知道,哦原来没有我想象的那么凉。对于我来说,创作是没有压力的,无所谓材质,只要有颜色,纸甚至不平也没关系。退回到原点,只要一颗脑子,愿不愿意像儿童一样本能地画画。大人总有很多顾虑,人最容易失去的是青春,而青春之前就是童真。

Q:你的作品里的小人儿总是圆脸的顶着蘑菇头的女孩,有着蚕豆般圆溜溜的眼睛,她总是不经意的时候说出很大人的话,这跟你的哲学背景有关系么?

A:我一直被哲学的思考与表达吸引,如果说文学是加了糖的食物,哲学就是不加糖的原味,能让琢磨更久,纤维也更足。高中的时候,我把所有的时间都泡在图书馆看各种课外书,老师曾经很担心我考不上大学。填报志愿时,虽然被琵琶老师推荐去音乐学院,但最终决定了报考哲学系。很多人都不理解我的选择,他们问,“你知道毕业要做什么事情吗?你要学马克思主义,做政治工作吗?”。那会儿复旦面向高考生举办了博雅杯,那一阵等白天放学后,就把自己关在房间里用了很长时间准备了学术论文,在老师们看来这是非常冒险的决定。依仗三年的小小积累,我写了人生第一篇论文,在顺利答辩之后,如愿进入了心仪的大学和专业。都说哲学需要两个要素:空闲与大脑。有时候想想,道理都是相通的。

Q:你的创作态度是什么呢?

A:我有一个很大的愿景——创造一个台阶,将人们心中高高在上的艺术品变得温情易亲近,指引着想要慢下来的人看到真正的巨匠。创作是需要保持做学术的态度,去研究,去为创作的一切找到根源依据。创作需要很深的‘根’,它不是从石头里蹦出来的,而是诞生于传统文化给你的充足养分之中。比如,最近同震旦博物馆合作的项目需要重新解读演绎文物时,我会大量翻阅相关的所有资料,确保自己创作所蕴含的历史背景和文物知识是准确而规范的,比如年代,作用,纹理等等,这些都是不能改变的,这就是我对传统文化的敬畏心。更是对自己在创作的责任,不以潮流不以快速阅读而做退让。

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受震旦博物馆特邀,周小肉以馆藏精品“玉神人兽像”“红陶说唱陶俑”“C形龙”等古器物为原型,创作别具创意与幽默的图文。小肉以名画翻画的形式,将古代名画与当代艺术相结合,将博物馆馆藏折射当代人的哲学思考,新颖的形式令人眼前一亮。

散养的鸡为什么好吃,因为它花了大部分的时间在变成更好的自己

没有学过三庭五眼的专业绘画技巧,所以不会被条框限制,灵感像拧开的水龙头一样。小肉坚持创作属于自己风格的作品,小而耐人寻味。

Q:没有专业背景,你是怎么学会画画的呢?

A:画画更像是无心栽下的种子。我小时候可是什么都学过(笑)。琵琶,焊接甚至无线电维修。妈妈希望我学习理科和工科知识建立理性思维,这些空间和力学的元素其实在我的作品中也有体现。至于画画,我只学了一点点入门,一到素描课就令儿童时期的我困惑不已:自己的世界阳光所及,很明亮,不懂为何总要被要求看明暗对比。画到长方体就只能作罢。高中以后,养成了用涂鸦做笔记的习惯,大学的哲学课堂笔记里几乎全是用绘画记录下的反思和领悟。画画,就自然而然地加入到了生活当中。

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在上中国哲学课程的时候,老师提到了中国哲学中极为重要的——易,正所谓“日月为易,象阴阳也。”这也引发了笔记的一张,将日月星辰雷暴彩虹,与衣架上的衣服对调。这是我第一时间对“易”的反馈。

Q:你从2012 年开始就开始为新生制作手绘的入学指南,这个想法是怎么产生的呢?

A:我是本地生,所以最大的出发点关于新生手册的改良想法源于我入学那年,来自世界各地的同窗的苦

恼:对这里的陌生。虽然是互联网络的时代,但信息杂而不准确也容易让人更难融入。因此在制作手册的时候,唯一的考量就是如何精准而有效整合信息:包括来校内的基础设施,地图外还有条条道路通学校的交通指南,附近银行,住宿,餐饮。还有上海景点及图书馆,美术馆,博物馆等信息。实质性为刚入学的同学与父母来上海提供方便。

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从构思、信息收集到绘画设计,小肉全都一手包办。这本手册从2012 年到现在经过了三次升级。小肉会从学弟学妹的角度考虑,细节之处的用心体现着她在创作上的坚持。随手册外,复旦的新同学们还会收到小肉手绘的一套明信片,提醒他们给父母报平安,记得感谢以前的老师,时刻联系曾经的朋友,并且不忘祝福未来的自己。这本手册很受学弟学妹们喜欢, 小肉也成了校园名人。

Q:听说你在学校里举办了第一次的个人画展,但是也是经历了很多波折啊,当时发生了什么事情?

A:2012 年的时候我参加TED 演讲,分享了“我的理想国的生产力”的理念,很多参与的同学都非常支持我。为了给自己和大家一个交代,我在复旦的地下车库第一次举办个人画展《乐观·茧》。因为只能借到学校废弃的地下自行车库,所以当时的准备过程也是非常的辛苦。地下自行车库没有大门,我们每天都要把画搬到旁边光华楼的25 层,第二天再挂上。那时我感受到了同伴的鼎力相助,男朋友(现在的老公)和他的兄弟团帮助我打扫场地,妈妈也天天过来帮忙。一个住在很远的快到海边的摄影师朋友无偿帮我拍摄下这场首展的整个过程。这段录像经常出现在我的活动上,不仅仅是为了让大家看到我当年瘦的样子,也是因为它记录着我最澎湃的时光。

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2012年复旦地下自行车库的小肉首场个展《乐观·茧》

有拐点的人生才好看,才能画出奇妙的图形

“我理解的乐观,在于爬坡。任何事情都有坡度,做自由职业的坡度在于背负更多的未知,是不断自觉努力学习后再创作的文化累积,也是在疲倦期瓶颈期保持乐观地坚持向前。”

Q:你在准备自己的第二次画展《我的理想国:新文艺复兴》项目时,听说一度经济非常拮据?

A:2013 年的时候,我开始策划自己的第二次画展《我的理想国:新文艺复兴》。因为我的画展都不收门票,所以只能靠募集的方式筹备了大约三万元的场地布展与印刷品资金。不过令人忧虑的计算能力与完美主义的病,用于回馈众筹画展的朋友的画册远远超出经费,自己把积蓄都贴了进去。那会儿我的生活很拮据,只能靠做家教赚些钱。

Q:你当时称这个画展为告别展,这是为什么呢?

A:本来是打算做告别展的,是因为我当时一门心思埋在画画这件事儿上,很久都没有与外界接触和交流,所以会有种对着墙壁说话的感觉。其实,我是希望可以有人看到我的作品,可以与我产生共鸣与交流。在我能量太低准备放弃的时候,没想到告别展开幕式那天我所有的朋友都到场了,很多人都非常喜欢我的作品,一位美院的老师甚至在社区报纸看到展出信息赶来到现场。我当时才发现,我是多么渴望有人和我交流,给我反馈,希望得到共鸣,渴望听到别人说,“我懂这个”。这次的画展是我人生中很重要的一个拐点,因为它我今天才可以这么能量满满的继续走下去。

Q:你在还没有毕业的时候就被一家知名的出版社签约了,但是他们最终也没有为你发行画册,请问这中间经历了那些事情呢?

A:我的作品属于慢阅读的内容,读者需要静下心来与我一起思考才会对文字和图画产生共鸣。可是对于现在的出版行业,慢阅读的市场非常小,他们更加愿意发行快速消费的作品。当初签约出版社时,还觉得自己很厉害,充满美好畅想。结果后来却被出版社告知,因为粉丝没有过万,不具备出书的资格。同事们告诉我可以花钱做到的事情是最简单的事情。那一刻,我内心是不认可的,因为图文是花钱或许能做到的,但一定一定是件难事。就是这么一点,我离职了。几次画展下来,虽然会有不同的出版社接触我,但是最终都不了了之,甚至有一家出版社建议我去做儿童教育方面的作品,这完全有悖于我的理想和我的坚持。

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小肉情有独钟于朱耷,他的《石鱼》在瞪着白眼。而“白眼”又何尝不是一种看待世界的方式,在习以为常的习惯“微笑”背后,以白眼向人,充满倔强之气,而小肉认为画作也需要这样的态度。

我的‘理想国’

然而这个说过要用一生坚持童稚的图文人,却始终用温暖的笔触记录着她所感受的这个世界。她的作品中, 看不到对世相的嘲讽,却只是谦和的、温柔的、善良的文字。她的好友,自媒体人傅踏踏曾形容这样小肉: 在她身上,我看到了同龄人怎样轻盈地同自我搏斗,又怎样平静地与世界和解。

Q:今年,你为什么会在香港发行自己的第一本图册呢?

A:这是要追溯到很久以前啦。我在办完《我的理想国:新文艺复兴》项目后,实际是还有一点点钱的,当 时我用这仅剩不多的钱印制了一些画册放在朋友们的咖啡厅里。Garden Books的陈卫业老师在很机缘巧 合的情况下看到了这本书,他非常喜欢,我们一拍即合决定做一本书。

因为Garden Books的发行号注册 在香港,所以我们最终实际是在香港出版的。陈卫业老师很尊重我的创作理念,所以书的名字和封面完全 没有制造任何的噱头,完完全全像读者呈现纯粹的思想与作品。我希望读者从看到封面的生肉开始,与我 一步步熟起来。

Q:喜欢你的作品的是什么样的人呢?

A:我现在的策展人是一位知名美术学院的老院长,他形容 我的画是“给成人看的童话”,当一个画家忘记技巧而是自由地表达内心的思考时,这就很吸引人。

“一杯安全好牛奶。值一张去香港的飞机票。一个女仆手上的一罐好牛奶,值一次环球旅行。”这是我 绘制的维米尔《倒牛奶的女仆》留给看画人的故事。如果有人看到奶罐上QS质检标志后会心一笑,对我 来说是最好的共鸣。我的读者都是喜欢“慢速阅读”的人群,他们愿意慢下来与我一起感受生活。我在TED 中说过,想为这个世界做一点点改变,当温度很高,地球也发烧的时候做那个小冰块。我相信,只要我的思考存在,有人需要慢下来的时候,就能找到我。越来越多人发现高科技时代带给他们的是越来越忙碌的感觉,他们终将慢下来,去思考。去重新感悟人生。

我看梵高的画《星空》,会觉得很温暖,所以演绎他的画都是毛线的感觉,暖暖的。要知道说起苦难,他所受的要比我们深刻那么多,但伟大的是,是当自己他受困之时,依旧将宝贵的希望与温暖传递,满满的暖色调。(黑)乙一给我的启发 很大,他的文字中人性的光芒都是在黑暗里才能看到。我希望我的画可以像他的文字那样,不论自己经历了什么,都可以让读者在里面看到光明和希望。

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梵高《星空》
二十岁的我像祖母一样,织着毛衣。
好像突然看懂了梵高的星空,如此温暖浪漫。

现在小肉可以在一周四天画自己喜欢的作品,一天去用商业作品讨生活。对于未来,她最大的期望是,可以全身心的投入到自己的艺术世界中。很多时候,小肉觉得,她是在走着平衡认知自己与认知环境的小路。感知自己的内心,才能创作出不被束缚的作品,而感知环境,是因为这样才能不忘掉自己的根基。接下来,她会搬离自己现在居住的老楼房,住到顾村去,与植物为伴。小肉始终热爱单纯干净的有点宅的生活。她说,“我所有宣传的活动在这个月就结束了,到年底之前,我可以完全的投入学习之中”,学习对她来说从来不是苦差事,小肉早在当年沉迷书海的时候就找到了与那些美好的艺术作品的交流方式。现在这个世界,大家都想快一点,快快拿到最新出炉的苹果手机,快快看透140个字的悲欢离合。而小肉的许愿却是,这个世界转的再慢一点,再多点时间与自己对话,再多点时间感受生活。

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小肉说“另眼相看博物馆”系列会继续,而与之相辅相成的新创作,也在开展——以中国哲学为基底,采用精神上的“中医”的形式,为当下的新“病”把脉开方。而这可能会花费五年,也可能十年,但这是她所选择的回归。

访问&整理:Prima

2015年5月

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[Dragon Burn]由爱好者所创造的属于所有人的家园

上海的龙焰节Dragon Burn是一群生活在中国的火人节参与者自发举办的地区火人节(Regional Burn)。如同他们的根源之处火人节(Burning Man)一样,Dragon Burn是完全由群体参与创造的“临时社区”,这里抛弃了货币体系而建立了的新的世界规则,一种跨越国籍种族与文化背景、爱好者与专业人士、艺术家与普通社区居民的,基于包容和分享的沟通。

在过去两年内,Dragon Burn吸引了来自世界各地的艺术节和年轻人参与,他们隐遁距离上海四个多小时的小岛进行为期三天的狂欢。在这里,没有组织者或者监督者的角色,所有人都是参与者。在这里唯一需要遵守的是Burning Man的10 Principles(十条规则),除此之外它是一个人人可参与可分享可创作的家园。上周,我们参加了Dragon Burn 2016年的筹备集会,并采访了此次的组织人Deanna,一起听听他们的故事。

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Q: 简单介绍下Dragon Burn吧!

Dragon Burn是一个完全由志愿者运营的非盈利社群我们成立于2014年,今年的五月底在上海将举办第三次Dragon Burn活动’龙焰节’。Dragon Burn源于火人节文化,并严格遵守其社区的基准规则,同时也保留着自己的独立性和独特的文化元素。一般来说,Dragon Burn的活动集会志愿者是三十人左右组成的小团队,负责财务/艺术家/Effigy(雕塑)/火艺术/音乐DJ/场地/交通等各方面的活动环节。自2014年六月首届龙焰节至今,每次盛会来自世界各地的艺术家和参与者通常在250人左右。

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当商业失去效用时,自我表达和自我生存依赖成为更珍贵的交流语言

Deanna总是用Home(家园)来形容她信仰的火人节和她的Dragon Burn梦想,“我们希望创造一种新的交流方式,它不同于商业化的交易而是基于精神的分享与慷慨的馈赠。它让我们变得强大而亲密”。在这里,手机和自拍变得无用,Dragon Burn的Survival Guide(生存指南)是你所需要的一切信息,而当下的体验与表达则是唯一会被带走的礼物。“我们相信由参与者和爱好者所创造的文化远远强大过商业化的娱乐项目。我们希望每一个参与者都学会信赖自己的能力,并深刻感知个体的存在对于社区文化的重塑。”

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如果你带着热情来到DB,请记住这里没有任何可被购买的商品,你将在这片距离上海市区四小时车程的田园中找不到任何的商贩,DB所塑造的一切皆由志愿者和支持者提供,你需要带足三天的酒水以及食物,一份慷慨以及一份“也许我可以来动手创造的信心”。

从‘一个人的创造’到‘一群人的协作’

Kickstarter也许是所有Burner最常用的自助网站之一,也许在这里慷慨的馈赠为创作赋予了更多的含义,Dragon Burn的Effigy(雕塑)也是在这里众筹集资制作而成。2014年,Nicolas在Kickstarter上发起了项目,一个由志愿者在机场附近的货仓中协作建造的象征着开始的雕塑“Dragon Egg”。这座美丽的雕塑成为2014年龙焰节上最受瞩目的风景,所有人围坐在湖边,当地人也慕名而来,那一刻的宁静是也许只有身在其中者才能体会的感动。

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组织者角色消失,取而代之的是Mentee/Mentor文化

“我们中没有专家,所有人都是学习者和传授者。在这个临时性社区,参与的志愿者是Facilitator(协助者),真正创造Dragon Burn文化的是每一个Burner”。Deanna今年八月将回到美国,而Dragon Burn更早的发起者Jennifer和Nicolas早已回国,他们始终期待新的加入者,工具与信仰将是这些早期发起者留下的社区基石。
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Q: 如何独立地运营一个地区的Burning Man?

随着火人节文化在中国的年轻人文化中逐渐成为一个对于自由与乌托邦社会的‘象征性’节日时,越来越多的半独立性火人节正在世界不同地区出现,并产生了更加多元的形式。几乎每个月,世界上都会有一场火人节在发生,不同于每年八月沙漠中的盛会,那些偏远地、不为人知的小型火人节甚至更加具有部落精神,也更加Hardcore(硬核)。

每年一月在新西兰举行的Kiwi Burn

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日本的Japan Burn

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独立多元的自由生长

Deanna列举了近年来她最喜欢两个地区火人节:比如加拿大的Freezer Burn,一场冰天雪地里的冬日火人节,而希腊的火人节则由三条货船组成的,远离于陆地的漂流火人节。Dragon Burn同样融入了中国文化元素,他们正在为今年五月而密集创作的一条十米长的中国火龙。正是这些保留着火人节根源却同时被赋予自由创造新的文化的地区盛会,让火人节更加自由多元。

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然而,这不意味着火人节将演变成无限蔓延的野生文化

为了成为一个地区火人节(Regional Burn),一个社区需要在盛会后提交了一份After Burn报告,梳理包括财务、艺术节、安全、环境等各方面完整执行了10 Principles的规则。11-pic

目标,从7比3到3比7的本地参与者

远在内华达的火人节文化在中国年轻人中越来越受到关注,作为五年的Burner,Deanna每年八月都要带着团队的作品来到Burning Man。“每年我们都会在Kickstarter上发起众筹将艺术作品带到黑石城,而在过去两年,这里出现了越来越多来中国艺术家的作品。”然而,Dragon Burn在中国依然是居住在上海的外国人运作的活动,Deanna希望可以有更多本地艺术节和参与者加入他们。“现在的Dragon Burn依然是外国人主导的文化社区,我们需要与本地艺术节和志愿者合作。这是让Dragon Burn长期的持续下去必须实现的目标,我们希望它可以在中国形成更具影响力的文化。”

爱好者所创造的属于所有人的“HOME”

Deanna是五年的Burner,她在谈起火人节时流露出的归属感总让我感动。“It’s home”她是这样说的,我在当天的集会上不止一次听到这样的形容。Todd,一个新的Burner,这样形容“It changed my life”,也许每一个人都希望回归那个天真的、遥远而美好的家园。随着火人节的主流化,这些Hardcore Burner从未停止捍卫家园的行动。“去年的火人节出现了大量新参与者,他们当中有些人甚至不知道10 Principles是什么。我走在空地间,看到一个个丢在沙漠里的啤酒罐时非常的伤心。作为一个视这里为家园的Burner,我将沿路所有的垃圾罐都捡走了带回自己的帐篷,那些和我一样的Burner在做着一样的事情,我们在保卫自己的家园。”而这些Burner的准则在Dragon Burn上更加被强调。翻开它的生存指南,其中清晰的界定着他们是如何Leave No Trace(不留下痕迹),“我们建议你每天花几分钟在露营地周围走走,捡起你看到的那些垃圾,无论它是因为谁而出现在这里。”

“正如我期待的那样,整个龙焰节是一个令人难以忘怀的经历。这三天,远离手机、没有商业买卖、没有舒适的现代化生活用品,陪伴我们的是大自然里的虫子、蝴蝶、小鸟,甚至是一群打架的野山羊;还有人群中的互助、友善和微笑;还有一种每个人严格遵守的规则秩序。虽然现场有300人左右,但是没有人觉得拥挤,在我们离开营地的时候,还有很多人在自发善后清理,每个人的帐篷周围干净得连一个烟头都看不见。”——路嘻嘻生活态度订阅号

当下的Dragon Burn依然是一个属于少数人的文化

今年的龙焰节将于五月的27号至29日举办,这个志愿者团队必须卖掉210张票时才能做到收支平衡。每一个参与的志愿者或者艺术节同样需要自己购买门票和车费,虽然Dragon Burn已经吸引了越来越多世界各地的Burner和中国本地年轻人,Deanna和团队依然清晰的界定了DB的边界,“我们的场地只有三百个露营空间,即使DB可以变成一个上千人的盛会,对于当下的我们来说,它只会是一个属于少数人的文化。”

Dragon Burn 2016 Is Coming

在撰写这篇文章时,2016年龙焰节也将第三次在上海举办!以下是来自他们的信息:Dragon burn 2016! Event tickets now on sale. 250 RMB for the event ticket and 150 RMB for the bus from Shanghai. May 27-29. We’ve already heard from Tinsletown 2.0, and hammockville, a full roller disco at the site and a 7m long dragon to burn!

访问整理:Prima

March 2016

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[健身房]女孩儿们的新战场

定义性感,什么是完美的身体?

看脸的时代已经out了,这是一个看身材的时代!时尚杂志或者影视作品里「美好」的身体,颈项、肚腹、大腿、小腿、足踝无不成为「性感」指向。女性的身体美学概念被切割成局部,马甲线、人鱼线、脊柱沟、腰窝、蜜桃臀、比基尼桥等身体的符号也开始流行起来要肌肉、要线条、要苗条、要健康,要对身体的自主也要身体的自在,在一定意义上的确推翻了我们对于纸片人身材的渴求。回溯媒体性别形象的延续或改变,女性所追求「完美的身体」的典型也一直在改变。而回溯媒体性别形象的延续或改变,女性所追求「完美的身体」的典型也一直在改变。
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西方工业革命时期的Gibson Girl

在 1800 年代末到 1900 年初美国因为进入工业革命,使得经济型态大为转变。当时美国女性皆以具有高挑及纤细的身材,同时还要有丰满的胸及翘臀的「Gibson Girl」作为标准身材的典范,藉以突显「大 S」的身材线条。

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民国时期的健康美

而在民国时期,强国强种女子国民号召下,女子尚武的体育论调定义女性拥有健美的体魄成为一种健康美尚。(详细可看《超越性别的身体—近代华东地区的女子体育:1895-1937》一书

民国美人鱼杨秀琼,记者描写她:“风度雍容华贵,双眸明亮,性格爽朗。穿玉色衣服,赤足趿高跟拖鞋,身躯健壮,远望如希腊女战士,言谈和蔼,含南国风味,十分可亲”。

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名模热时期的零号身材崇拜

到了 1960 至 1970 年代, 媒体上出现的女性从原先丰满的体型转变为纤瘦的身材,身体标准的雏型渐渐的成形。90 年代兴起的名模热潮,可以看见模特儿越来越瘦的趋势,即便到了现今的社会,追求苗条的风潮只有越演越烈的趋势。

要美也要健康,更好的高品质生活选择

在追求瘦削身材的过程中,厌食也成为一种病态的社会现象。伴随多名“零号”身材模特猝死,2008年9月美国纽约时装周开始拒绝起用“零号身材”模特,以推崇健康的时尚潮流。

虽然现代新女性对美貌的要求仍旧以修长的身材为主,但却加入了「爱美不忘健康」的新观点,因此许多女性纷纷投入健身房的行列,透过运动器材、瑜珈、有氧运动以维持自己的身材与体态。

健身房,女孩儿们的新战场

传统而言,都市女性所享有的典型公共空间包括购物中心、剧院或者公园。 而如今,设备完善、明亮宽敞、室内的健身中心为女性参与运动提供了新的「公共空间」选择有趣的是,即便健身中心对男女学员参与并无限制,但是性别差异却隐然泾渭分明。女生更喜欢跑步机或者有氧操课,而锻炼肌肉的重量训练区则是「阳刚味」十足的男士领地。

Bodybuilding网站总结出性重量训练8個迷思,例如重量训练不适合女生、女生在健身房就是要减重,举重让女生看起来男性化等。破除这些迷思,无疑对于开始参与健身运动的女性来说是非常重要的入门。在这里,我们暂不去考虑技术层面的问题,而是试图理解迷思的背后原因。

女孩的自我设限男生与女生的肌肉结构与密度不一样,女生天生的力气就比较小”

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在健身中心里,女生青睐的运动往往是跑步、瑜伽或者有氧训练。一旦提到与力量训练相关的运动时,女生往往是胆怯的、不确定的、犹疑的。到底是什么让女孩们限制了自己的身体,并怀疑它所能达成的目标呢?

“教练总说全身用力,这到底是什么意思?”

许多观察认为,虽然男女有一定纯粹肌肉结构的不同,但力量的巨大差异同时也来自于使用身体的方式不同。女生更习惯于在相对「局限的空间」里,「有所保留」地「低能量」使用身体。比如,女生在做一件力量工作时,往往倾向使用相关的局部身体,而男生则会以全身为轴心,一体性连贯性的完成同样的任务。

“我没办法,这太危险了”

对于女生来说,「无法控制」和「不信任」自己的身体,对受伤的恐惧也经常让我们对一些运动望而却步。“过去的两年中,我经常参加crossfit训练并定期健身房运动。然而,每次尝试奥利匹克举重训练,或者甚至做壶铃运动时,我依然担心脱手或者无法控制重量而受伤。”

举个例子,打球时,女生往往会因为担心无法及时闪避,将朝着‘我’的方向而来的球,看做是正对着‘我’而来。

面对注视身体的眼光,羞涩的初学者和自信的回应者“在健身房不就应该是运动么,女生为什么要在意别人怎么看呢

羞涩的初学者之一:“健身应该怎么穿才适合?”

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健身也要穿的美美的!「性感」且「专业」是装备党的重要指导手册,成为女生健身时的「制服」。在这个开放空间中,紧裹身体、布料稀少是合理化的。身体成为自信的来源之一,也成为失去自信的重要缺口。

“我身材不好,穿得太紧身反而觉得不自在。很多女孩儿会穿颜色明亮的运动内衣和超级紧身的跑步裤,而我一般会穿得符合健身房环境一些,当然只会选择黑色。”

事实上,当苗条而纤美的体态等同于「女性美」的权重不断增强时,自信不仅仅建立于身体的成就上,也在对于凝视目光的解读中悄悄建立。身体的美中不足更容易通过「制服」凸显出来,羞涩的初学者们烦恼着身体在别人眼中看来如何。

羞涩的初学者之二:“女性重量训练是一件过于男性化的事儿?做女性做重量训练会变成金刚芭比吗?”

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“虽然网络上对于女生做力量训练的指导帖子越来越多,但一个人在健身房里玩杠铃举重,依然是件「阳刚」的、有点尴尬的事情”。

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「制服」化的审美下,杂志或者影视作品里「美好」的身体典范也成为「流行文化所推崇的标准范本」。一方面,女性在运动中希望有流畅的身体曲线,另一方面,也会为不够符合「阴性」定义的柔美,优雅的身体姿态,或者肌肉形状不够纤美而担忧。

自信的回应者之一:“我觉得女生健身是大加分~!”

开放的空间与全身镜,马甲线、蜜桃臀、修长匀称的大腿及小腿,自信的健身女孩们的身体展现非但没有不自在或者害羞,而是通过健身装束与一连串身体实践展示自己,并完全融入到整体运动的空间中,并在一定程度上也回应了割裂美学下「性感」身体的指向。

亚洲健身锦标赛形体小姐冠军牟丛

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自信的回应者之二:健身的女孩自拍时更自信,往往是露一点才会拍!”

健身房通常是女生自拍秀身材的高频率空间,网络的人气也带来一种新的凝视。健身社交应用里女生通过自拍「宣告自己的性感」,一方面她们主动接受了别人欣赏的目光,另一方面也加入了一场身体的竞赛,并通过这场竞争赢得人气,收获赞美与自信。

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自信的回应者之三:“我很喜欢运动而带来的快乐!”

一旦我们顺利完成健身中的重重任务后,身体所获得的愉悦远胜过一开始的压迫,女性会强烈感知到「成就感」与「快乐」,以及对于个人身体的「自在感」与「自主感」。当女生坚持持续性的运动时,其背后的社会寓意,如「挑战」、「成功」、「自我控制」、「力量」也超越了她的身体属性,成为作为女性整体重要资本。

阅读参考:《像女孩儿一样丢球》、《超越性别身体:近代华东地区的女子体育》、《身體之旅:春吶女孩之身體經驗》

Written by Prima

December 2015

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[BabyMetal]无法赢得的一场没有参与的战争

当卡哇伊的少女声音与元气满满的舞台表演,碰撞上雄性荷尔蒙音乐时,也许有人看到了AGCN世界里反差萌的极致放大,也许有人看到了音乐性与表演艺术的博弈,也许有人看到了新的金属文化正席卷而来,也许有人看到了亚文化在商业力量冲击下的全面崩溃。
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2014年3月,BABYMETAL在武道馆开唱,创下“年龄最小”的武道馆开唱纪录;她们受邀参演欧美摇滚音乐节,在欧洲、北美成功举办演唱会,受到众多金属界明星大叔的欢迎,其中包括Metallica、Slayer、Carcass等;连Lady Gaga也成为了她们的粉丝,邀她们共演。卡哇伊金属席卷世界,BABYMETAL俨然成为和初音未来一样代表日本的文化符号。——《知日》
 
 2015年,BABYMETAL举办了一系列的世界巡演,并获得全世界最大的在线金属杂志Loudwire三项大奖,同时囊获最佳现场乐队、最佳重金属歌曲、最忠心粉丝
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 “卡哇伊” 的少女——日本二战后独有的“可爱文化”(KawaisaThe Cult of Cute

要探讨日本可爱文化,必须要先谈日本的少女。日本的少女和「可爱」有著密切的关系,少女除了本身是一种可爱的象徵以外,她们也是现代日本可爱文化的创造者。(注1)

「少女」是一种近代社会的产物,在传统时期日本女性在14岁左右会被视为独立的成人,然而,明治社会后出现了大量女子学校,她们的成年人的社会功能也就此被短暂的冻结了。她们可以不从事生产、开始花钱购买自己喜欢的可爱饰品,把自己的服装、随身物品、房间等装饰成一种可爱的空间。她们可以利用她们的世界中的种种可爱的符号来告诉大家:「我是少女」。日本的可爱文化就是从这种社会环境以及少女的自我意识发展出来的。

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在可爱文化形成中,日本的可爱人偶也扮演过关键的角色

说到少女人偶,最有名的莫过于芭比娃娃,然而真正受到日本少女青睐的,却是日本人自己创造的少女人偶莉卡 (Licca) 娃娃。
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注:莉卡娃娃(溫柔可愛的「狸顏」少女) V.S. 芭比娃娃(成熟美豔的「狐顏」少女)。成为「少女」是一种特殊的神聖結界,是纯洁无垢的,是完全受到保护的。
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到了1970年代之後,随着日本小康阶层发展,以及Hello Kitty等代表梦幻的品牌和及少女漫画的影响下,这些少女创造了自己的可爱文字,現代日本可愛文化基礎就在這種時代背景之下建立的。随着对于品质的追求,少女们拥有更多的资源,如华丽洛丽塔、原宿少女等风格成为重要的可爱时尚风格。

当卡哇伊少女遭遇黑暗元素

“Babymetal的萝莉服装和黑发,有一种很特别的反差萌。我比较喜欢有一些黑暗元素,尤其是哥特风的萝莉风格,比如《蔷薇少女》就很典型。看上去很华丽,性格要有点高冷。”
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BABYMETAL的主题颜色是红色黑色为基调哥特洛丽塔风格(注3)。主唱部分是中心的SUMETAL(中元铃香,组队年龄13岁主要担当主唱,两侧的YUI METAL(水野由结,组队年龄11岁和MOAMETA(菊地最爱,队年龄11岁)负责合唱与口号部分

快乐且充满新鲜感的旺盛生命活力(同时具有可爱风格以及格斗元素舞蹈),符合萝莉气质的少女声音以及多数少女气十足的歌词风格(以《ド・キ・ド・キ☆モーニング(Doki Doki☆Morning)心跳☆早晨》为代表),塑造的独特狐神(FOX GOD),以及传说中来自误会——本意是想模仿魔鬼角手势,却没做到位——的狐神手势,都让Babymetal成为难以复制的可爱主义与偶像文化纯商业包装下完整的文化输出。

和服风格与一贯性的黑色和红色元素,以及狐神面具的日本文化元素

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 因为练习金属Headbanging而带上颈部固定器.....,当然,是开玩笑的啦! 

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阳刚重金属如何与卡哇伊少女融合?

“摇滚乐所拥有的文化意涵,在许多层面都被视为是极其阳刚的──这些所谓「革命」、「叛逆」等等名词”。而作为摇滚音乐的一支流派,重金属更以雄性粗糙、狂吼咆哮或高亢激昂的嗓音、具有高爆发力、重量感以及破坏性的音乐元素被广泛认知。一般来说,重金属的女歌手/乐手也雄性十足的感觉,皮衣,黑嗓,纹身,几乎一切身体语言都为体现雄性气质而服务。

OTEP与Arch Enemy女主唱
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然而,商业对于摇滚乐(金属乐)的文化重塑,却已经不是一个新鲜的事儿。摇滚音乐背后庞大的市场体系、商业行销的力量,都是使得摇滚乐能够快速传播各类型意识型态的原因;摇滚乐对文化的影响,也即由此而生,除了偶像、图腾的意义之外,摇滚乐所勾起的深层社会意涵是显而易见。(注4)

早在80年代,流行音乐与金属音乐就以及碰撞出新的金属流派,华丽金属(Glam Metal)。Bon Jovi的流行硬式摇滚风格可说为八十年代末期开拓出新的女性听众版图。而以华丽夸张的化妆造型著称的日本视觉系乐队(VR),正是在华丽摇滚(金属)的影响下而出现的日本独有摇滚文化。

日本重金属乐队、视觉系音乐重要代表乐队,X-Japan
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日本视觉系乐队的运作模式是完全商业的,『以视觉表现与音乐结合』是视觉系摇滚乐团最重要的关键,日本在短短二十年间就形成了视觉系摇滚文化,并时至今日仍然影响着日本音乐产业的运作,包括大量女子乐队。(注5)

日本全女子金属乐队Destrose
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 日本全女子金属乐队G∀LMET
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Babymetal的横空出世,正是基于视觉表演(偶像产业)与音乐(高水准唱片工业)的完整融合。当看到金属党与御宅族出现在Babymetal的演出现场一起玩mosh,这绝对是超越常识的事情。因此,一系列围绕着Babymetal的各种讨论其实一点都不稀奇。一个故事说明Babymetal席卷金属亚文化:http://www.asianjunkie.com/2015/06/14/babymetal-crashes-music-festival-whose-promoter-hates-them-cause-fuck-it/
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“金属类型配乐广播体操……..我是这么评价babymetel的…….编曲还成,乐手牛逼,妹子激萌,没了……..”(某知乎用户)

“当看到BM的表演后,我清楚地意识到为什么Kawaii很重要。想想你的女儿、侄女或者妹妹,当她们要求你一起玩的时候,你不说NO的。你会假装是她们要打败的巨人,你会跟她们一起玩过家家,你会做很多事儿只要可以让她们开心。与此同时,你发现自己也度过了一段很快乐的时光。”(Reddit)(注6)

“Babymetal 是唱片工业和偶像文化最高级别的产品,是在流水线层面上,从创作、配器、录音、混缩乃至舞台表演、灯光等等一切过程的至高技术整合。换个角度看,这些工作已经跟艺术关系甚微,而更像细致而有序地制造一块表。”(注6)

可爱主义的Babymetal式金属,神奇的完成了日本Kawaii文化与西方对接。一方面,她们成为最佳反差萌代言人,激烈的极端音乐下,可爱又有点危险的哥特萝莉。一方面,她们是天真与可爱的公主,是童话的产物,对于音乐本身和音乐知识并不具备威胁。

Babymetal 在亚文化领域,玩的是地道的黑金、死亡金属等极端金属乐。她们的音乐性标准合格到让挑剔的metalhead也很难站在对立面上去指责被装饰化的音乐元素。

当卡哇伊的少女声音与元气满满的舞台表演,碰撞上雄性荷尔蒙音乐时,也许有人看到了AGCN世界里反差萌的极致放大,也许有人看到了音乐性与表演艺术的博弈,也许有人看到了新的金属文化正席卷而来,也许有人看到了亚文化在商业力量冲击下的全面崩溃。

 Babymetal Metallica/Iron Maiden

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Babymetal与Dragonforce合作《Road of Resistance》
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后记:2016年7月Chicaogo Open Air 金属音乐节上终于看到了Babymetal的Live,现场躁动、怪异、扭曲,并不是Babymetal的粉丝,因此30分钟的演出充斥着不协调感。亚文化在不断被重复的制造与消费中,风格的意义在被商品化的过程中变成碎片的象征,其原始的创造力量与精神也终于消失了。摇滚乐除了偶像和图腾文化外,不再承载社会意涵时,我在Chicaogo Open Air看到了一场荒诞且失控的偶像文化群像。
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注2: 汪涌豪:日本“可爱文化”的背后
注3:哥特萝莉(Gothic Lolita)的服饰,用色基调多为黑白,以十字架,复古夸张首饰,银饰,蕾丝等作为主要装饰,服装设计感强烈,多有拖尾,繁复花纹或华丽装饰,给人以一种神秘华丽精巧之感,现今也有用强烈对比色作为服装色调,突出Gothic Lolita的“黑暗”“夸张”“华丽”感,具有很强的叛逆感,摇滚、朋克、机车风。
注4: LGBT运动以及女性主义思想和女性群体的影响在西方音乐文化上的体现
注5: 浅析日本视觉系摇滚
注6: 评论原文:“After watching how successful their tour has been, though, I think I understand why “kawaii” was so important. Think of your daughters, nieces, and little sisters — when a little girl asks you to play along, you don’t say no. You never say no. You play tea parties with her, you pretend to be the ogre that that she defeats, you let her paint your toenails, all to make her happy. And to your surprise, you find yourself having great fun despite looking completely ridiculous.” 
注7: Babymetal:死与萌,唯一与第一
Written by Prima
2015 November
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